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323、人间地狱丑恶百态，荒诞激烈又理性黯淡的当代前卫——专辑推荐323.Hellfire-
black midi
评 ...
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评分：9.8
作曲：★★☆
编曲：★★★★
专辑性：★★★★☆
评语：
《Hellfire》是英国摇滚乐队black midi的第三张录音室专辑，于2022年7月15日通过厂牌Rough Trade Records正式发行。专辑由制作人Marta Salogni操刀，核心录制工作仅用13天完成，乐手Kaidi Akinnibi（萨克斯）、Seth Evans（键盘）的参与为作品增添了丰富的音色层次。这张专辑在音乐风格上融合了实验摇滚、前卫摇滚、爵士融合、后朋克等多元流派，以概念性叙事和戏剧化表达，成为乐队职业生涯中极具标志性的作品之一。
《Hellfire》的创作始于新冠疫情期间乐队成员在伦敦的隔离阶段，多数曲目在2021-2022年为前作《Cavalcade》巡演时已率先登台演绎。主唱Geordie Greep将这张专辑定义为“一部史诗级动作片”，与《Cavalcade》的“戏剧”定位形成呼应。专辑的概念灵感源自《辛普森一家》万圣节特辑中荷马坠入地狱的情节，Greep坦言自己并不相信地狱的存在，但认为这类充满荒诞色彩的“旧世界寓言”是绝佳的创作素材。他提到，专辑中的角色多是基于现实经历的夸张演绎，每一个故事都带着对人性中阴暗面的戏谑刻画，而疫情期间的隔离生活也让乐队得以更专注地打磨叙事性与音乐结构的融合。
“Hellfire”直译为“地狱之火”，既是对专辑核心概念的凝练，也象征着作品中贯穿始终的戏剧张力与情绪强度。标题中的“地狱”并非传统宗教语境中的惩罚之地，而是一个由荒诞人性、暴力叙事与失控情绪构成的隐喻空间，每首歌的故事都如同一场在“地狱”中上演的闹剧或悲剧，而“火”则代表着音乐中躁动的节奏、炽热的情绪与不断升级的戏剧冲突。它既是对专辑整体氛围的精准概括，也暗含着乐队对人性中“恶”的戏谑解构——这些“地狱”般的故事，本质上都源自现实中人性的欲望、偏执与荒诞。
这张专辑的封面呈现出一场色彩浓烈、元素驳杂的超现实视觉盛宴，整体以炽热的粉红色为基底，仿佛一片燃烧的炼狱景观。画面中央，两个身着深色服装的人物慵懒地坐在类似废墟的场景中，周围缠绕着青绿色的流体状线条、破碎的建筑残骸、骷髅元素以及怪诞的动植物意象，右侧的骷髅头与左上角的扭曲符号进一步强化了“地狱”的主题。封面的视觉语言融合了迷幻艺术、数字拼贴与黑色金属美学，如同一场LSD迷幻梦境，既呼应了专辑中混乱而戏剧化的叙事，也以充满张力的色彩对比（粉红与青绿色的碰撞），直观传递出作品中既荒诞又炽热的情绪内核。每一处破碎的细节都像是专辑中不同故事的碎片，共同构成了一个属于black midi的“地狱”景观。
《Sugar/Tzu》以一场虚构的拳击比赛为叙事核心，讲述了2163年2月31日，拳击手Sun Sugar与Sun Tzu之间的对决，故事视角来自一个畸形秀的孩子，歌曲以拳击比赛的开场音效引入，搭配解说员的夸张播报，瞬间构建出荒诞的竞技场景，Greep的演唱时而激昂时而戏谑，如同现场解说与角色内心的交织，而乐器的编排则随着比赛的进程不断升级，从缓慢的铺垫到激烈的爆发，如同一场听觉上的拳击赛，将暴力与人性的扭曲展现得淋漓尽致。
《Hellfire》在音乐上延续了black midi一贯的实验精神，却比前作更具戏剧化与叙事性。整张专辑如同一场流动的音乐剧，每首歌都是一个独立的故事片段，却又通过统一的“地狱”主题相互串联。音乐风格上，乐队打破了流派的边界，将前卫摇滚的复杂结构、爵士融合的即兴质感、后朋克的躁动节奏与cabaret的戏剧旋律融为一体，形成了独属于black midi的声音语言。专辑的编曲充满了“有序的混乱”，复杂的时间 signature 切换、突然的节奏爆发与乐器堆叠，让每首歌都充满了不可预测的张力。Greep的演唱是整张专辑的灵魂，他时而癫狂嘶吼，时而优雅念白，时而低沉叙述，如同一个全能的戏剧演员，将每个角色的情绪都刻画得入木三分。同时，专辑中加入的铜管乐、弦乐、手风琴等乐器，为原本粗粝的摇滚基底增添了丰富的色彩，让不同故事的氛围更加鲜明——比如《Dangerous Liaisons》中的爵士优雅，《Eat Men Eat》中的原始暴力，《27 Questions》中的cabaret阴郁，都通过音乐风格的切换得到了精准呈现。与前作相比，《Hellfire》的音乐表达更加直接而炽热，乐队不再刻意追求抽象的氛围营造，而是选择以更具冲击力的方式，将故事中的情绪与冲突传递给听众。每一段吉他riff、每一次鼓点爆发、每一个萨克斯旋律，都服务于叙事的推进，让音乐与故事形成了高度的统一，也让整张专辑成为一场沉浸式的听觉戏剧。
《Hellfire》的器乐编排是乐队创作的巅峰之一，每一位乐手都在专辑中展现了极具辨识度的表现，同时也通过多元的乐器搭配，构建出丰富的音色层次。Simpson的鼓点是整张专辑的节奏骨架，他的演奏兼具数学摇滚的精准与爵士的即兴松弛。在《Welcome to Hell》中，急促的军鼓与不断变化的节奏型，为歌曲的躁动氛围提供了坚实的支撑；而在《The Race Is About To Begin》中，他则以缓慢推进的鼓点铺垫史诗感，又在中段突然切换节奏，将戏剧张力推向高潮。他的演奏如同一个“节奏魔术师”，既能在复杂的时间 signature 中保持稳定，又能通过微妙的节奏变化传递情绪，是专辑中器乐表现的核心亮点之一。Greep的吉他演奏充满了实验性，从《Welcome to Hell》中尖锐的riff，到《Still》中扭曲的音色，再到《Sugar/Tzu》中随着比赛进程不断升级的旋律，他总能通过不同的演奏方式传递故事的情绪。他的吉他时而粗粝如砂纸，时而优雅如爵士，时而混乱如噪音，与歌曲的叙事完美呼应，成为推动情节发展的重要元素。Picton的贝斯在专辑中扮演着“氛围构建者”的角色，他的演奏时而沉重而具有压迫感（如《Eat Men Eat》中低沉的贝斯线），时而与吉他形成错位的节奏互动，为歌曲增添了复杂的层次感。在他担任主唱的《Eat Men Eat》中，贝斯的编排更是与演唱的恶意形成呼应，构建出原始而暴力的氛围，展现了他作为贝斯手与创作者的双重能力。Kaidi Akinnibi的萨克斯演奏为专辑增添了浓厚的爵士质感，在《Still》《Dangerous Liaisons》等曲目中，萨克斯的旋律时而慵懒时而尖锐，为歌曲的氛围注入了新的层次；Seth Evans的键盘与钢琴则在《27 Questions》《Dangerous Liaisons》中展现了优雅的cabaret质感，手风琴的加入更是为收尾曲增添了阴郁的剧场氛围。这些额外乐器的融入，让专辑的音色更加丰富多元，也让不同故事的风格差异更加鲜明。整体而言，《Hellfire》的器乐编排是一场多元风格的碰撞与融合，乐手们在保持各自个性的同时，又通过默契的配合，构建出了与叙事高度统一的音乐空间，每一种乐器都成为了故事的一部分，共同完成了这场听觉上的“地狱”叙事。
《Hellfire》是一张以“地狱”为隐喻的概念专辑，10首歌构成了一个由荒诞人性故事组成的“地狱图景”。专辑中的每个故事都聚焦于人性中的阴暗面——战争创伤、偏执暴力、欲望算计、人性麻木，却又带着黑色幽默的戏谑色彩，如同一场场发生在“地狱”中的闹剧。这些故事的主角大多是“不完美的人”：经历战争创伤而沉沦的士兵、偏执而充满恶意的船长、被欲望吞噬的竞技者、在法庭上为自己辩解的骗子、最终崩溃的表演者……他们的故事看似荒诞，却都源自现实中人性的真实切面，Greep以夸张的叙事手法，将这些人性的弱点放大，构建出一个既陌生又熟悉的“地狱”。专辑的叙事结构如同一场流动的戏剧，从开场曲的焦虑铺垫，到《Welcome to Hell》的战争暴力，《Eat Men Eat》的偏执恶意，《Sugar/Tzu》的竞技扭曲，再到《27 Questions》的悲剧落幕，每个故事都层层递进，情绪强度不断升级，最终在收尾曲中归于阴郁的平静。这些故事之间没有直接的关联，却通过“人性之恶”的核心主题相互呼应，共同构成了对人性的戏谑解构——所谓的“地狱”，并非遥远的惩罚之地，而是人□□望与偏执的集合体。同时，专辑的叙事中也暗含着对现实的讽刺：战争的残酷、偏见的暴力、竞技的异化、权力的谎言，这些现实中的问题都被包裹在荒诞的故事外壳中，以一种更具冲击力的方式呈现给听众。Greep曾说，这些故事“几乎都源自真实的经历，只是被夸张和改写了”，这也让专辑的内容在荒诞之外，多了一层现实的底色，让听众在感受戏剧张力的同时，也能感受到对人性与现实的反思。
《Hellfire》是black midi职业生涯中最具戏剧化与概念性的作品，它以一场充满荒诞与张力的“地狱”叙事，构建了一个属于乐队的独特世界。音乐上，乐队打破了流派的边界，将前卫摇滚、爵士融合、后朋克等多元风格融为一体，以复杂而有序的器乐编排，打造了一场沉浸式的听觉戏剧；内容上，专辑以戏谑的方式解构人性之恶，通过十个荒诞的故事，展现了人性中的欲望、偏执与暴力，同时暗含着对现实的讽刺与反思。这张专辑不仅是乐队创作能力的巅峰体现，也是一次对叙事性摇滚的大胆探索。它既保留了black midi一贯的实验精神，又比前作更具感染力与共鸣感，每一段旋律、每一句歌词、每一次乐器爆发，都服务于整体的叙事，让音乐与故事形成了高度的统一。《Hellfire》如同一场炽热而混乱的梦境，它将听众带入一个荒诞的“地狱”，却又在故事的细节中，映照出现实中人性的真实切面，成为一张兼具听觉冲击力与思想深度的实验摇滚杰作。
推荐歌曲：
Sugar/Tzu
